Stephen Emmer explora la resiliencia y la reinvención en su último álbum, Mt. Mundane. En una entrevista exclusiva, el artista comparte sus reflexiones sobre la inspiración, la colaboración y su visión de combinar tradición, innovación y color en la búsqueda de música atemporal.
Hay aspectos de la música que muchos artistas, en su búsqueda de lo inmediato, suelen pasar por alto: la importancia de las historias, de hacerse las preguntas adecuadas y de responderlas a través de un estudio meticuloso del mundo que les rodea. Estos son los factores que distinguen a los grandes artistas del resto, independientemente de su escala o medio. La historia detrás de Mt. Mundane no es solo una de superación; también es una exploración de las nuevas circunstancias de Stephen y de cómo su humildad lo llevó a elevar y enriquecer su arte. Esta composición introspectiva, basada en un profundo estudio de la música clásica impresionista entre otros géneros, fue ejecutada magistralmente en colaboración con destacados artistas en el legendario Studio Two de Abbey Road. En esta entrevista, profundizamos en las particularidades del trabajo de Stephen, explorando su proceso creativo, sus inspiraciones y la visión única que dio forma a Mt. Mundane.
Urbans Mag: Una de las cosas que llamó mi atención fue el nombre del álbum, Mt. Mundane. ¿Cuál fue la inspiración detrás del título?
Stephen Emmer: Mundane tiene una connotación de elegancia. Pero en el inglés británico, mundane significa lo ordinario, y dejar atrás lo ordinario hacia esa montaña metafórica fue mi fantasía conceptual.
Urbans Mag: Este álbum se describe como uno de tus trabajos más personales y refleja los temas de pérdida y resiliencia. ¿Cómo influyó tu experiencia con la pérdida auditiva en la narrativa emocional de este álbum?
Stephen Emmer: Esa es una buena pregunta. Son las limitaciones que surgen de esos problemas médicos, especialmente de la audición en nuestro caso, las que te llevan a pensamientos más intensos: ya sea detener el camino creativo o de alguna manera traducirlo en algo positivo. Y siempre, si se me permite, tiendo a usar la metáfora de los atletas paralímpicos. Cuando has perdido un brazo o una pierna siendo atleta, ¿qué vas a hacer? ¿Retirarte o seguir adelante? Bueno, ahora puedo decirte por experiencia que me hice esa misma pregunta. Y lo que sucede es que, cuando estás en esa posición, cuando te empujan a esa esquina, llegan fuerzas nuevas y sorprendentes, y tuve la suerte de experimentarlas. Así que, gracias a esa visión, estaba muy motivado para continuar, aunque necesitaba saber cómo. Podemos hablar más sobre eso si lo deseas.
Urbans Mag: Sí, porque me preguntaba sobre los tipos de desafíos que enfrentaste con tu audición y cómo han impactado tu vida diaria.
Stephen Emmer: En mi caso, es una trilogía muy fea de discapacidades. Todo comenzó con tinnitus. Luego se convirtió en sordera parcial: mi oído izquierdo perdió completamente la audición. Y, en tercer lugar, cuando tienes esos dos problemas, todo está muy conectado en tu cerebro. El órgano del equilibrio está a milímetros del nervio auditivo, por lo que uno puede influir en el otro. Después del tinnitus y, finalmente, la sordera, también comencé a sufrir vértigo. En términos médicos, a esto lo llamarían enfermedad de Ménière. Algunas personas experimentan todos estos síntomas, mientras que otras solo tienen tinnitus o pérdida auditiva.
Urbans Mag: Pero ninguno de esos desafíos te obligó a dejar de crear música. Eso es un gran logro.
Stephen Emmer: Eso fue lo que me dijo un psicólogo cuando lo consulté. Me dijo: «Bueno, escucho que hablas de la música como tu trabajo, pero también escucho que es tu pasión. Mi consejo sería no dejar este trabajo, porque también es tu pasión.» Y yo le dije: «Cierto, doctor.» Incluso añadí: «Podríamos transformar mi trabajo y mi pasión en algo nuevo: una misión.» Y ese fue realmente el punto de partida de dos cosas. Una de ellas fue el álbum, que se convirtió en mi expresión artística de lo que estaba sucediendo en lo personal. Al mismo tiempo, Connie y yo iniciamos una fundación aquí en Holanda llamada Artists Against Tinnitus.
Urbans Mag: Una de esas misiones fue este nuevo álbum, que fue grabado en Abbey Road con más de 30 músicos. ¿Cuál es tu enfoque para orquestar un conjunto tan grande mientras mantienes la intimidad de los movimientos Adagio?
Stephen Emmer: Es agradable escucharlo, pero, de hecho, fueron 60 personas. En el Studio Two de Abbey Road, ni siquiera The Beatles, cuando grabaron «All You Need Is Love», pudieron acomodar toda la orquesta, así que usaron el Studio One, que se utiliza más a menudo para bandas sonoras de películas. Este fue el máximo que pudimos meter en el estudio de The Beatles. También quería invitar a un coro, pero eso son otras 30 personas, así que los grabamos después. Pero tienes razón, aún no es una orquesta sinfónica completa. Es una orquesta de cámara con la intimidad de la música de cámara. Es íntimo, pero necesitaba la diferenciación en color: la coloración de los arreglos y la orquestación. Pensé que no podíamos lograr eso solo con un cuarteto o un quinteto. Es, de nuevo, un poco una orquesta de fantasía. También quería usar y escribir para percusión afinada, como marimba, vibráfono y celesta, dándoles tanta importancia como a los instrumentos principales. Tuvimos que destacarlos en la mezcla; de lo contrario, no se escucharían lo suficiente. Incluso para Abbey Road, fue un poco un experimento. Pero la magia del sonido de la sala es real. Ahora lo sé con certeza. He estado en muchos estudios y, aunque el equipo pueda ser de última generación o muy bueno, la leyenda del Studio Two es cierta. Tiene una acústica realmente mágica.
Urbans Mag: La experiencia de escuchar música hoy en día suele resultar abrumadora. Muchos álbumes o eventos en vivo suenan excesivamente comprimidos, como si intentaran imitar la intensidad del volumen de la publicidad. Parece que se han olvidado de las dinámicas, y todo termina sonando plano y uniforme. Pero tu álbum destaca. Tiene las dinámicas correctas, el espacio y el equilibrio que permiten a la música respirar. ¿Qué te inspiró a alejarte de los elementos sinfónicos tradicionales?
Stephen Emmer: Quizás esa es también la razón por la que no deberíamos llamarlo un álbum sinfónico. Las orquestas sinfónicas suelen depender mucho de los instrumentos de viento-metal, y personalmente, debido a mis circunstancias, ya no puedo tolerar los metales. Las cualidades íntimas y relajantes de este trabajo están estrechamente vinculadas a mis nuevos desafíos acústicos. Esa es una razón, pero, como seguramente sabes, también tiendo a aburrirme fácilmente con un solo género o estilo. Disfruto explorando nuevas direcciones. Incluso si considerara hacer algo con guitarras estridentes o sonidos intensos similares, sería puramente una fantasía. Siendo realistas, ya no podría manejar eso durante las fases de composición o producción.
En mi búsqueda de algo más relajante, el algoritmo de Spotify me ofreció recomendaciones basadas en su clásica lógica de “si te gusta esto, quizá te guste aquello”. Empezando con Mompou, me sumergí en música impresionista más oscura y desconocida. En Francia, se refieren a Mompou como el “Poder Catalán” o incluso el “Erik Satie de España.” Spotify, de manera astuta, sugirió música en una línea similar. Por ejemplo, Maurice Ravel, quien es parcialmente de ascendencia vasca, apareció en mi radar. Aunque Spotify no proporciona grandes retornos financieros para los artistas, su algoritmo me llevó al trabajo de Ravel. Si disfrutas de Mompou, me sugirió, también podrías disfrutar de Ravel—ambos son de aproximadamente el mismo período y comparten vínculos regionales.
Comencé a explorar las composiciones de Ravel, que todos conocemos por Boléro. Curiosamente, el mismo Ravel llamó a Boléro “la única no-música que he hecho.” Lo consideraba más un estudio o ejercicio de orquestación que una verdadera composición. Pero más allá de Boléro, cuando te sumerges en sus obras menos comercializadas, descubres una música fantástica, dulce y armónicamente aventurera. Esto me inspiró a pensar que este podría ser el camino que debía seguir, dadas mis circunstancias.
Al abrazar este camino, también me di cuenta de cuánto la escena actual de la música neoclásica gira en torno al minimalismo americano. Artistas como Max Richter y Ludovico Einaudi están fuertemente influenciados por las obras de Philip Glass y Steve Reich. Aunque admiro su trabajo, a menudo siento que carece de aventura, pintando la música en tonos monocromáticos. En contraste, la música impresionista de hace 100 años se celebraba por sus vibrantes coloraciones. Pensé que sería una idea maravillosa revivir la rica paleta de colores de la música impresionista y darle un giro contemporáneo.
Urbans Mag: Has mencionado que te inspiran compositores postimpresionistas franceses como Ravel y Debussy. ¿Cómo influyeron sus orquestaciones y armonizaciones en tu enfoque para las composiciones?
Stephen Emmer: Me complace decir que lo que más me gustó de Debussy es que también miró más allá de lo que era común en su época. Por ejemplo, asistió a la Exposición Universal en París y descubrió la música de gamelán de Indonesia en una presentación en vivo. Le intrigó y pensó que sería un buen experimento incorporar sus tonalidades y escalas tonales en la música de Europa Occidental. Mi conexión con eso también es personal, ya que mi madre es de Indonesia. Pensé que sería apropiado explorar algo similar.
Con Ravel, lo que realmente admiro es que no se inspiró en el minimalismo americano, sino en su encuentro con George Gershwin. Gershwin utilizó muchas armonizaciones y progresiones de tipo jazz, y Ravel llevó esas ideas de regreso a Francia, incorporándolas en sus composiciones. Considero a ambos como los padrinos de la música de cine. Sus innovaciones eventualmente influenciaron a compositores estadounidenses, quienes integraron esos estilos en las bandas sonoras, que son un viejo amor mío.
Urbans Mag: Veo una evolución a través de las décadas donde las composiciones de esos artistas, entre otros, han sido simplificadas para darles un «toque contemporáneo». ¿Qué opinas sobre la simplificación de la música a lo largo de los años? ¿Crees que subestima la inteligencia del público moderno?
Stephen Emmer: Entiendo tu punto. Es algo que se ha investigado científicamente recientemente. La música pop actual utiliza acordes más simples que en los años 80, que a su vez eran más simples que los de los años 70 y 60. La música pop ahora permite muy poca variación. La vieja idea de una introducción ha desaparecido. Las discográficas dicen: «Empieza directamente con lo que quieres transmitir en la canción.» Personalmente, veo esto como una subestimación del público. Es una visión cínica. Lo mismo ocurre con las producciones de televisión. Cuando componía música para televisión, alguien me dijo: «Hazlo simple y estúpido.»
No sabes con certeza si el público es «estúpido», y no es muy agradable asumirlo. Para mi álbum, no sentí que tuviera la fuerza o la formación académica formal para crear una sinfonía completa con varias partes. Pero pensé en Brian Wilson de The Beach Boys. Usó una orquesta completa para crear lo que más tarde llamó «sinfonías de bolsillo»: mini sinfonías estructuradas como canciones pop de tres minutos. Hoy en día, los tiempos de atención son más cortos. Así que, como sugieres, no puedes permitirte hacer algo tan largo. Pero intenté condensar la modulación y la complejidad de las sinfonías largas en piezas más cortas de tres minutos. Son como mini sinfonías o sinfonías de bolsillo. Si esto podría ser un formato futuro para la música clásica, depende de los oyentes decidirlo. La generación de TikTok no escuchará una sinfonía de 25 minutos. Si quieres interesarlos en la música clásica, tiene que ser más corta. Se investigó mucho sobre esto para el álbum.
Urbans Mag: Quería preguntarte sobre las colaboraciones en este álbum. Trabajar con artistas como Anthony Weeden o Ben Dawson aporta una gran riqueza de talento. ¿Cómo ayudaron sus conocimientos a lograr el tono cinematográfico e introspectivo que define Mt. Mundane?
Stephen Emmer: Esa es una pregunta interesante. Anthony Weeden era alguien a quien admiraba como fan, porque dirigió y arregló para el fallecido Jóhann Jóhannsson, el compositor islandés de cine. Jóhann era muy artístico, casi como un compositor europeo. Lamentablemente, falleció hace tres años. Su asistente, Hildur Guðnadóttir, es ahora la principal compositora femenina y ganó un Oscar por Joker en 2019. Anthony también trabajó con ella y obtuvo créditos en proyectos como La Teoría del Todo.
Buscaba a alguien en Inglaterra que me ayudara con la dirección, ya que eso es algo que no puedo hacer. Detesto ver a personas vanidosas entrar a los estudios y pretender dirigir sin conocimientos. Pensé que necesitaba ser humilde y dejarlo en manos de alguien con más experiencia, y Anthony fue perfecto. Es muy hábil en el lado práctico de la orquestación. Yo esbocé todo, pero él hacía preguntas como: «¿Cuántas flautas? ¿Una, dos o tres?» No siempre tenía respuestas precisas. Confié en él, y aportó equilibrio y cohesión a la orquestación.
Ben Dawson, el pianista, también jugó un papel clave. Normalmente, toco mis propias partes, pero debido a mis limitaciones médicas, pensé que sería mejor involucrar a un pianista clásico. Ben tenía exactamente la sensibilidad que estaba buscando. Me enseñó cosas que ni siquiera sabía, como que toda la magia está en el uso del pedal. Hizo un trabajo maravilloso, que mejoró enormemente las piezas de piano.
Urbans Mag: La forma Adagio desempeña un papel central en el álbum. ¿Por qué elegiste este movimiento como base para transmitir el arco emocional de duelo, esperanza y gratitud?
Stephen Emmer: Me alegra que preguntes esto porque la mayoría de la gente no hace este tipo de preguntas. Mi idea para el álbum era el concepto de «sinfonía de bolsillo». Una sinfonía tradicional completa consta de múltiples secciones —tres, cuatro o cinco—, incluyendo el Andante. Pero cuando escucho música clásica, siempre me inclino hacia los movimientos más lentos. Siento que ahí es donde reside la mayor emoción. La introducción suele buscar captar la atención, y el final a menudo resulta demasiado dramático. Nunca me gustaron tanto. Para mí, el Adagio, con su tempo lento, es la parte más personal y expresiva de una sinfonía. Además, típicamente dura alrededor de dos o tres minutos, lo que encaja perfectamente con la idea de sinfonía de bolsillo. Esa fue la razón conceptual detrás de esta elección.
Urbans Mag: También incorporaste melodías de tus 45 años de carrera en nuevas piezas sinfónicas. ¿Cómo elegiste qué temas retomar y cómo fue integrarlos en este proyecto?
Stephen Emmer: Cuando volví a escuchar esas melodías, las usé como puntos de partida, combinándolas con todo el conocimiento y la experiencia musical que he acumulado a lo largo de los años —en armonización, progresiones de acordes, orquestación y tempo. Me di cuenta de que eran ingenuas, pero a veces más frescas que las melodías que creamos como adultos mayores. Tenían un tipo de pensamiento verdaderamente juvenil y fresco. Aunque eran primitivas, mis 40 años de experiencia hicieron que esto fuera lo mejor de ambos mundos: la ingenuidad de la juventud y la madurez de la experiencia. Simpatizaba con mi yo más joven. Pensé: «Era un buen chico.» Hoy, espero no ser demasiado cínico o pesimista, pero escucho a ese dulce joven en esas melodías, y quería honrar lo que pensaba en ese momento.
Urbans Mag: ¿Hubo técnicas de grabación o tecnologías específicas que utilizaste para capturar ese sentido cinematográfico en Mt. Mundane? Abbey Road, obviamente, no solo ofrece herramientas digitales, sino también una gran cantidad de equipos analógicos que pueden crear un sonido completamente único. ¿Esos recursos jugaron un papel en lograr tu visión?
Stephen Emmer: Todos los micrófonos eran equipos vintage, de herencia histórica. Abbey Road es uno de los pocos estudios en el mundo que tiene entre 50 y 60 micrófonos vintage. La mayoría de los estudios tienen uno o dos, pero Abbey Road sacó micrófonos de los años 60, incluso algunos que usaron The Beatles. Los configuraron en el estudio, que tiene una acústica increíble. La sala en sí es muy analógica, con un diseño acústico clásico. En la sala de mezcla, arriba, tienen una consola analógica llamada Neve VR, que es una maravillosa consola híbrida. Los monitores de sonido en la sala de mezcla son analógicos Bowers & Wilkins, similares a los de la década de 1970. Usan esta configuración para proyectos serios, incluidas películas de Hollywood. El aspecto digital llegó más tarde, durante la edición en Pro Tools. No pude estar en Londres para la mayoría de la mezcla, pero usamos una conexión de alta calidad a través de una compañía llamada Audiomovers. Fue lo mejor de ambos mundos: grabación analógica y mezcla digital.
Dónde escuchar Mt. Mundane
El último álbum de Stephen Emmer ya está disponible en las principales plataformas de streaming. Puedes escucharlo en cualquiera de las plataformas de este link:
https://stephenemmer.lnk.to/mt-mundane
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